«Queen II» cumple 44 años

El 8 de marzo de 1974 la banda británica lanzó el álbum Queen II en Reino Unido. Fue grabado en agosto de 1973 en los Estudios Trident.

Después de mucho discutir y considerar títulos como Over The Top, el título elegido por el grupo sería Queen II. Grabado en los Trident Studios de Londres en agosto de 1973, el grupo tuvo por fin permiso para usar el estudio durante horas normales y, a diferencia del primer álbum, pudo tomarse el tiempo necesario para experimentar con las muchísimas ideas que tenían y utilizar nuevas técnicas, texturas y sonidos.

Finalmente Queen podría grabar un álbum como querían, cuando querían y sin las limitaciones que les fueron impuestas en su disco de debut. Numerosos problemas rodearon el lanzamiento del álbum. Y no menos importante, su realización coincidió con la crisis del petróleo de 1973 y, en consecuencia las medidas aplicadas por el gobierno para la conservación de la energía retrasaron su fabricación por varios meses. Además, cuando la primera tirada llegó a las tiendas de discos, el grupo se dio cuenta de que había un error ortográfico en la portada y tuvo que insistir a la compañía discográfica para que finalmente fuera corregido.

Queen II fue producido por Robin Geoffrey Cable, Roy Thomas Baker y Queen y grabado por el siempre ingenioso Mike Stone. El concepto de la cubierta del álbum se basa en una fotografía de Marlene Dietrich que Freddie había visto y Mick Rock fue contratado para lograr un efecto similar. La imagen se convirtió en una de las más reconocidas y utilizadas del grupo y es tan sorprendente en el 2011 como lo fue a mediados de los años 70.

Más tarde, en 1975, la fotografía fue recuperada en el video promocional de Bohemian Rhapsody. El director Bruce Gowers dio movimiento a la imagen del álbum Queen II y así nació toda una forma de promocionar la música. En contraste con este icónico retrato predominantemente negro de Queen, la fotografía interior muestra al grupo en traje de gala, pero esta vez vestidos de blanco, sobre un fondo también blanco.

Esta idea continuaba en el propio vinilo, que constaba de “cara blanca” y “cara negra”. En la blanca se incluían los temas de Brian May, incluyendo White Queen y uno de Roger Taylor. En la negra aparecían únicamente los temas compuestos por Freddie Mercury, incluyendo el majestuoso March Of The Black Queen. John Deacon no había empezado todavía a escribir canciones para Queen. Su primera composición aparecería algo más tarde, en el LP Sheer Heart Attack. Este tema del contraste blanco/negro fue muy importante para Queen en 1974, no sólo en el disco o en su portada sino también en el diseño del escenario de sus conciertos.

Queen II logró finalmente subir al número cinco en las listas del Reino Unido, ayudado considerablemente por constantes giras, su exitoso primer single Seven Seas Of Rhye (publicado dos semanas antes) y sus primeras apariciones en el programa de televisión de la BBC Top Of The Pops.

En Estados Unidos, el álbum tendría un impacto menor, pero aún así logró situarse en un honroso número 49. Con Queen II el grupo consiguió su primer disco de oro en Inglaterra y Estados Unidos.

El álbum se abre con una pieza corta instrumental de Brian llamada Procession, a base de guitarras dobladas, que ya había sido utilizada como introducción en los conciertos de 1973 y 1974.

Otra canción de Brian, Father To Son, de más de seis minutos de duración, es uno de los temas más ambiciosos en el álbum. Brian May: “Led Zeppelin y The Who probablemente están por alguna parte, porque eran nuestros grupos favoritos, pero lo que nos diferenciaba de ellos era este sonido a base de capas superpuestas.

Los Who utilizaban el sonido de acordes de guitarra abiertos y hay algo de eso en Father To Son, pero la base de nuestro sonido es la guitarra saturada que se utiliza para toda la canción… y además yo también quería añadir texturas detrás de las líneas de la melodía principal”.

White Queen (As It Began), otra composición de Brian, escrita mucho antes de grabarse el álbum, se convirtió muy pronto en favorita de los fans. En los conciertos en vivo, Freddie tocaba el piano en esta canción, lo que constituía toda una sorpresa ya que en la versión del disco no había teclados.

Por primera vez en este disco Brian cantó una de sus propias composiciones, Some Day One Day, en la que también toca la guitarra acústica y la eléctrica. Es una canción poco conocida, como lo es también The Loser In The End, la segunda canción escrita y cantada por Roger (la primera aparece en el disco de debut), aunque en directo la cantaba Freddie.

La cara negra se abre con el primero de los seis temas de Freddie Mercury. Ogre Battle, una canción escrita un par de años antes, enigmática y espesa, repleta de guitarras heavy y efectos de sonido enrevesados y, en definitiva una de las canciones más intensas y complejas musicalmente de Queen.

Freddie se inspiró en un cuadro que vio en la Tate Gallery de Richard Dadd, en su canción The Fairy Feller’s Master Stroke, en la que el propio Freddie toca el clavicordio. Esta pieza de arreglos complicados, al igual que tantas otras de este álbum, cuenta con una letra llena de fantasía que incluye referencias directas a personajes y escenas del cuadro y que muestra claramente la versatilidad y la imaginación de Freddie.

Hay una gran riqueza de ideas tanto en letras como en música en esta canción y también en el resto del álbum. Roger señalaría que Fairy Fellers era el experimento estereo más importante de Queen, con todas esas guitarras y voces dobladas.

En total contraste con Ogre Battle, Black Queen y Master Stroke, el sublime Nevermore, constituye una interpretación impresionante con Freddie al piano y unas voces de acompañamiento realmente celestiales.

The March Of The Black Queen, con sus partes de guitarra enormemente complejas y sus armonías vocales, es quizás, con sus más de seis minutos de duración, la canción más memorable en el álbum y sin duda la más dramática. Todo lo que Queen tenía que ofrecer en esta época está en esta canción, que ha seguido siendo favorita de los fans durante más de tres décadas.

Funny How Love Is es otra joya poco conocida de Freddie. Y con su piano y la guitarra acústica, esta hermosa canción lleva al oyente al último tema de Queen II de una forma impresionante.

Sólo queda el misterioso Seven Seas Of Rhye. La idea original era comenzar Queen II con Seven Seas Of Rhye, como continuación de la versión instrumental e incompleta que cerraba el primer álbum. Sin embargo, cuando ya estaban a punto de terminar la grabación del álbum, decidieron que el tema quedaría mejor al final del disco. A diferencia de la versión del disco anterior, era una canción completa con arreglos de guitarras, percusiones y voces que terminaba con todo el personal del estudio cantando con el grupo “I do like to be beside the seaside…”.

Del álbum Queen II sólo se lanzó un single a nivel mundial. Y fue precisamente Seven Seas Of Rhye de Freddie Mercury, que fue editado en el Reino Unido el 23 de febrero de 1974, junto con un tema bluesy de Brian May no incluido en el álbum (See What A Fool I’ve Been).

El sencillo fue publicado apresuradamente en Gran Bretaña después de la primera de las tres apariciones del grupo en el Top Of The Pops interpretando esta canción y con el tiempo llegaría al número 10, lo que supuso para el grupo su primer gran éxito en singles.

La revista New Musical Express señaló: “Este single muestra todo su poderío, su talento para escribir canciones y todas las cualidades que les hacen únicos”. Seven Seas no causó gran impresión en otras partes del mundo y en Estados Unidos no se publicó hasta el mes de junio.

En Japón se publicó también en junio, con el tema de Roger The loser In The End en la cara B y con una de las primeras portadas de single con foto del grupo. Pronto se convirtió en uno de los más codiciados artículos coleccionables de este período. La portada japonesa es una de las más bonitas de todas, aunque tal vez la más rara es la de la edición portuguesa.